Bolivia Lab 2026 lleva adelante la Muestra Internacional de Películas

En el marco del XV Taller Internacional de Guion – Bolivia Lab 2026, se desarrolla en Cochabamba, la Muestra Internacional de Películas (MIP) Bolivia Lab. La actividad es gratuita y se tiene contemplado un conversatorio con los directores después de la exhibición de las películas de largometraje.

La proyección de dos filmes está prevista para el martes 1 y miércoles 2 de septiembre en la Alianza Francesa de Cochabamba.

El martes, desde las 19:00, se proyectará la película “Postales colombianas”, del cineasta Ricardo Coral.

La actividad es impulsada por Bolivia Lab- Historias de vuelo, con el respaldo de Alianza Francesa, Awa Gestión Cultural, Red Colombiana de Escritores Audiovisuales SGC, ABRA, Herbert Suárez.

La película colombiana relata la historia de Piedad, Caridad y Fanny, mujeres intelectuales, feministas, bien posicionadas profesionalmente, autónomas y de clase media, que se reencuentran una noche para compartir sus vivencias, recuerdos y puntos de vista.

Esa misma noche se cruzan con tres hombres de apariencia normal; ellos terminarán siendo sus verdugos porque el ente de poder para el que trabajan les ha ordenado entregar nuevos “positivos”. En el argot militar colombiano “positivos” es el nombre que se les da a los enemigos dados de baja en combate.

El miércoles 3 de septiembre será el turno de la cinta brasileña “A los ojos de Ernesto”, de la directora Ana Luisa Azevedo.

El filme tiene una duración de 112 minutos y refleja la vivencia de Ernesto, quien se enfrenta a las limitaciones de la vejez, como la soledad y la creciente pérdida de visión, conoce a Bia, quien trastorna su existencia y pone en peligro su vida cotidiana al convertirse en un eterno extraño.

Fuente: Los Tiempos

El Nido: documental que retrata la épica travesía para documentar al águila arpía

Hay historias que comienzan mucho antes de llegar a una pantalla y se consolidad con el abrazo del séptimo arte. La del documental El Nido, dirigido por Ernst Udo Drawert, empezó en lo profundo del bosque, donde un grupo de investigadores, biólogos y conservacionistas emprendió el seguimiento de uno de los nidos de águila harpía más grandes de Sudamérica, un trabajo que hoy ha dado lugar a uno de los mayores avances para la conservación de esta emblemática especie en Bolivia.

El pasado fin de semana, el Programa para la Conservación del Águila Arpía en Bolivia, del Museo de Historia Natural Noel Kempff Mercado, alcanzó un hito para la ciencia y la conservación al realizar con éxito el primer anillado científico de un águila arpía (Harpia harpyja) en vida silvestre en el país.

El protagonista de este nuevo capítulo es Ariel, un pichón de casi cinco meses de edad nacido en un nido monitoreado desde el año pasado por el Programa de Conservación de águila Arpía. El ave porta ahora un anillo de identificación único que permitirá a los investigadores seguir su historia a lo largo de los años y obtener información sobre su supervivencia, dispersión, uso del hábitat y comportamiento, datos fundamentales para fortalecer las estrategias de conservación de la especie.

El procedimiento fue realizado por un equipo multidisciplinario de especialistas bajo estrictos protocolos de bienestar animal. Tras la intervención, Ariel fue devuelto a su nido y monitoreado durante los días siguientes, confirmándose su excelente estado de salud y el éxito del trabajo realizado.

Este avance representa un paso histórico para la investigación y conservación del águila arpía en Bolivia y ha sido posible gracias al compromiso de investigadores, técnicos, voluntarios e instituciones aliadas. El reconocimiento de la sociedad boliviana se hace extensivo al Programa para la Conservación del Águila Arpía, a la familia Drawert, a la bióloga Gabriela Tavera, a Kathia Rivero, al Museo de Historia Natural Noel Kempff Mercado comandado por su directora Luzmila Arroyo, al Dr. Alexander Blanco, de la Fundación Esfera de Venezuela, y a todas las personas e instituciones que, con su trabajo desinteresado, contribuyen al conocimiento científico y a la protección de la biodiversidad del país.

En los montes de la propiedad familiar de Juan Deriba, el hallazgo del nido de águila arpía más grande registrado en Sudamérica no comenzó con una expedición formal, sino con una corazonada convertida en hipótesis. Para Heinz Arno Drawert, investigador asociado del Museo de Historia Natural Noel Kempff Mercado y hermano de Ernst Drawert —director del documental que registra este hito—, la presencia de estas majestuosas aves era un misterio que demandaba respuestas.

Durante años, la majestuosa silueta del águila arpía había sido vista sobrevolando la zona. Sin embargo, se desconocía si las aves solo estaban de paso o si tenían un asentamiento permanente.

“Teníamos la certeza de haberlas visto durante mucho tiempo, pero no sabíamos si había un nido. Para mí era un desafío impulsado por la curiosidad y la necesidad de probar la hipótesis de que en Juan Deriba residía una pareja reproductora”, explica Heinz Drawert, que no trabaja con las arpías sino con los rivúlidos, pero que acompañó em varios momentos en las expediciones.

El hallazgo no solo confirmó la teoría del investigador, sino que superó cualquier expectativa científica al constatarse que la estructura era, hasta la fecha, la más imponente registrada globalmente para esta especie.

Toda esa historia de exploración, descubrimiento y monitoreo podrá conocerse en El Nido, el documental dirigido por Ernst Udo Drawert, que reconstruye el camino detrás del hallazgo de uno de los nidos de águila arpía más grandes de Sudamérica y el esfuerzo colectivo que hoy encuentra uno de sus momentos más significativos con la historia de Ariel.

“El documental está espectacular. Mi hermano es muy capo en lo que hace y tiene un estilo muy propio. Es muy honesto y sentimental en las cosas que transmite”, destaca Heinz al referirse al trabajo de Ernst en la producción.

Por su parte, Ernst Udo Drawert también tiene un testimonio muy valioso para contar: “Este documental significó varias cosas para mí. Nació de la curiosidad, de querer acompañar a un grupo de biólogos y observar de cerca una especie tan extraordinaria como el águila arpía. Pero, a medida que avanzó, también se convirtió en una forma de volver al bosque donde crecí y mirarlo con otros ojos, ya no solo como un lugar familiar, sino como un documentalista. Además, me permitió mostrar el enorme esfuerzo que implica hacer ciencia y conservación en un país donde muchas veces ese trabajo recibe muy poco apoyo. Siento que este proyecto forma parte de una búsqueda personal que estoy teniendo en este último tiempo: encontrar una manera propia de contar las historias de la naturaleza”, dijo Erns, que enfatizó que, en este caso, le pareció importante convertirse en un observador, de no interferir en lo que sucede, en poder plasmar la realidad como él la percibía, pero sin intervenir como documentalista.

La premier del documental se realizará hoy viernes 31 de julio, a las 19:30, en el Centro Boliviano Americano (CBA), ubicado en la calle Sucre Nº 364, en Santa Cruz de la Sierra.

Fuente: Nomadas

Uyuni se convierte en la gran pantalla del mundo

El Salar de Uyuni amaneció hoy convertido en un escenario cultural sin precedentes: el Primer Festival Internacional de Cine en el Salar abrió sus puertas con una programación que mezcla cine, turismo y reflexión social. En medio de la inmensidad blanca, cineastas, productores y visitantes se reunieron para vivir la experiencia única de ver películas en el mayor desierto de sal del planeta, un espacio que se transforma en pantalla natural y símbolo de integración cultural.

La jornada inaugural estuvo marcada por entusiasmo y expectativa. El festival busca no solo proyectar obras cinematográficas de distintos países, sino también reactivar el turismo en la región tras semanas de bloqueos y tensiones sociales. El Hotel Palacio de Sal se convirtió en epicentro de las actividades, mientras que al caer la tarde las proyecciones al aire libre ofrecieron un espectáculo irrepetible: cine bajo las estrellas reflejadas en el espejo del Salar.

Entre las actividades más destacadas de hoy se encuentran la Masterclass de Cine de Guerrilla impartida por el español José Víctor Fuentes, el lanzamiento del proyecto Salar Se Filma, una cata de singani organizada por Casa Real y el conversatorio Horizontes Compartidos con Rodrigo Bellott y actores bolivianos. La noche cerrará con la proyección de la película nacional Cuerpo Criminal, dirigida por Martín Boulocq, seguida de un diálogo con su equipo creativo.

La programación internacional incluye títulos como Cielo (España), Cactus Pears (India) y Visceral (Venezuela), además de producciones bolivianas y paraguayas que se estrenan en este festival. A ello se suma un concurso de cortometrajes con más de cincuenta participantes que deberán filmar directamente en el Salar, incluso con teléfonos móviles, democratizando la creación audiovisual y ofreciendo premios de hasta cinco mil dólares.

El festival es más que un evento cultural: es un acto de resistencia y esperanza. Tras semanas de tensiones por el litio y los bloqueos en la región, el cine se convierte en puente para recuperar la confianza, atraer visitantes y mostrar al mundo que Bolivia puede ser protagonista en escenarios de innovación cultural.

Hoy, el Salar de Uyuni no solo proyecta películas, sino también sueños y la certeza de que la cultura puede transformar realidades. Este festival inaugura una nueva etapa para el cine boliviano y para la identidad cultural del país, consolidando al Salar como un ícono no solo natural, sino también artístico y global.

Fuente: Inmediaciones

Cinemateca, 50 años, todo lo que era posible

Medio siglo después, recupero algunos textos fragmentarios que me permiten estas líneas para recordar uno de los momentos más significativos de mi vida. (Carlos Mesa)

Es difícil olvidar –me ha quedado como una imagen vívida en la memoria– el ingreso que hicimos con Pedro Susz a un soleado cubículo de unos pocos metros cuadrados en el quinto piso de la Casa de la Cultura Franz Tamayo, frente a la imponente basílica de San Francisco de La Paz. Era media tarde. Veo todavía hoy a Pedro con una lata de película entre las manos donada por el pianista Raúl Barragán, se trataba de Laredo de Bolivia (1959) de Jorge Ruiz, un documental sobre el éxito internacional de un violinista boliviano, el todavía adolescente Jaime Laredo en uno de los certámenes de interpretación más prestigiosos del mundo. Fue el primer filme del entonces inexistente archivo de la bisoña Cinemateca de La Paz. 

El año: 1976. Esa visión furtiva en mi mente no es del 12 de julio, fecha formal de la fundación de lo que poco después sería la Cinemateca Boliviana, pero, para mí, es la fotografía del verdadero primer día de esa entrañable institución que levantamos de la nada y cuya tarea es, entre otras, proteger la memoria del cine boliviano, las imágenes en movimiento del país para ser riguroso. 

Todo fue posible gracias a la idea visionaria y con plena fe en los jóvenes de Amalia de Gallardo –para mí siempre Doña Amalia– a quien conocí en las sesiones del Cineclub Luminaria, una mujer que siempre creyó en mí y me apoyó en el trabajo con su consejo humano y entrañable. Jefa del Departamento de Espectáculos de la Alcaldía paceña, me invitó en 1975 a acompañarla como funcionario de su repartición. Yo disfrazaba mi tarea de censor de películas con el nombre pomposo de “Miembro del Departamento de Espectáculos de la H. Alcaldía Municipal de La Paz”. Aunque en honor a la verdad debo decir que la convicción de la señora Amalia era la de no cortar nunca un centímetro de película. Para esos años de dictadura política (los últimos del primer gobierno de Banzer), la censura de cine casi no existía, y creo que en tres años de trabajo nos vimos en un brete serio solo con dos o tres películas. 

Allí conocí a Pedro Susz, con un flamante título en comunicación y cine recién llegado de Buenos Aires, y allí nació la idea de crear la Cinemateca. Fue una hermosa aventura sazonada de quijotadas e ilusiones que abrió un largo paréntesis a mi supuesto destino de ser profesor de la universidad. Durante diez años, junto a Pedro y doña Amalia, dediqué mis máximos esfuerzos a la consolidación del archivo nacional de imágenes en movimiento. Ella creía que esa era una tarea para jóvenes. Yo tenía apenas veintidós años y Pedro, veintiséis. Fue un desafío único. Poco después, unos meses antes de la creación de la Cinemateca, Alcides Parejas, director de Extensión de la UMSA, nos encargó a Ronny Antelo y a mí la dirección de un cine club universitario que bautizamos como Cine Arte UMSA y que dirigimos hasta 1978. Fueron diez años entregados al cine boliviano.

El 12 de julio de 1976 Mario Mercado, Alcalde de La Paz, a nombre del Municipio; Renzo Cotta, Director del Cine 16 de Julio, a nombre de la Obra Don Bosco; Amalia de Gallardo, Presidenta del Centro de Orientación Cinematográfica, a nombre de esa entidad; Pedro Susz y yo como ejecutivos de la institución y Norma Merlo como su secretaria, fundamos la Cinemateca Boliviana. La Alcaldía nos cedió a ese efecto un pequeño espacio en el quinto piso de la Casa de la Cultura, ya referido.

Empezamos las proyecciones en la sala Modesta Sanjinés de la Casa de la Cultura. El primer ciclo, como no podía ser de otra manera, estuvo dedicado al cine boliviano. El 22 de septiembre de 1976 exhibimos Carnaval Paceño y Posesión del Presidente Hernando Siles de Pedro Sambarino (1926) y el audiovisual que hicimos con Pedro, El Cine Boliviano.

Con el paso de los años, medio siglo a tiempo de escribir estas líneas, la Cinemateca ha recibido en depósito, o por medio de donaciones, más del 80% del patrimonio del país en películas y videos de realizadores y aficionados bolivianos. El objetivo principal y la razón de ser de la Cinemateca Boliviana, es formar, preservar y difundir el Archivo Nacional de Imágenes en Movimiento de Bolivia. Esta labor se justificó por la importancia cobrada por la producción de imágenes en movimiento desde principios del siglo pasado, como documentos esenciales para la memoria histórica colectiva y para la construcción de nuestras identidades. A ese hecho debe sumarse el peso cada vez mayor de dichas películas en la configuración de los imaginarios sociales.

En el momento de su fundación como institución (12 de julio de 1976), se vivían los años de la dictadura de Hugo Banzer, no existía ningún repositorio para las imágenes en movimiento, y estas estaban desperdigadas en depósitos descuidados en Canal 7, en habitaciones llenas de humedad o inundadas, material tirado en el suelo, películas del Instituto Cinematográfico Boliviano (ICB) sin protección alguna, o en latas completamente ensarradas, montones de películas reversibles de noticieros en cajas de cartón o turriles en las viejas instalaciones del Canal en El Alto, varias cintas de video de dos pulgadas en rincones acumulando polvo, etc. También se hallaban en manos de privados o en las de los propios productores de ese material. Además, buena parte del cine boliviano producido en la época o en plena producción podía ser cuestionado, censurado o prohibido por el gobierno, como de hecho ocurrió en más de un caso. Realizadores importantes estaban entonces en el exilio y el Estado no tenía, en ese contexto ideológico, la disposición de encarar un desafío de esta naturaleza. Sobre todo teniendo en cuenta varios antecedentes, como fue el caso de los materiales ya citados producidos por el ICB en la década de los cincuenta, que constituían un riquísimo registro de la Bolivia post Revolución del 52, pero que fueron olvidados, desprotegidos e incluso mutilados por desidia o manipulación política, después de 1964. 

Esa fue la razón que impulsó la constitución de una fundación cultural sin fines de lucro, pero con una vocación pública inequívoca, que garantizara su independencia para poder llevar adelante un trabajo efectivo sin condicionantes políticas, por modesto que este esfuerzo pudiera parecer en sus inicios. Esa lógica garantizó, durante cincuenta años, más allá de los avatares políticos del país, así como de sus sobresaltos económicos, un fructífero trabajo y un conjunto muy significativo de éxitos y logros para el patrimonio cultural de Bolivia.

En la Cinemateca impusimos un concepto: aquí no hay trabajo despreciable, no hay privilegios. La primera vez que escuché el nombre de Henri Langlois (espíritu y carne de la más famosa Cinemateca del mundo, la de París), fue de la boca de Pedro. Recuerdo que me comentaba la pasión por el cine de ese inmenso y fatigado “león del cine” que guardaba películas hasta en la bañera de su casa. Toda una institución. La Cinemateca es hoy, además de un lugar lleno de nombres y nostalgia, la obra viva de hombres y mujeres pioneros y de muchos sueños: los de Amalia de Gallardo, verdadera madre de la idea, los de Renzo Cotta y su siempre franca sonrisa, los de ese ejemplo de humildad y humanidad que fue Oscar Soria, los de Luis Espinal, maestro y militante del cine y de Bolivia. En la salita del que fue cine San Calixto en la Pichincha esquina Ingavi, con aires provincianos de los veinte, y ese cúmulo infinito (como los cuentos de Cortázar) de rollos y rollos de películas, fue la oficina cargada del aroma de pipa que Pedro fumaba con el mismo método y obstinación con que escribía. Pedro representa a ese núcleo que hizo posible esa obra. Igual que los archivos, la oficina de entonces (1978-2002) era como un desván con mesas compradas en la calle Murillo y afiches que ahogaban las paredes (finalmente Pedro y Norma me ganaron en la batalla por la simetría y el orden que libré heroicamente y sin éxito por una década).

Trabajamos juntos con Pedro durante casi once años y labramos en medio de largas conversaciones y también largos silencios, una amistad serena y medida.  A pesar de los años que nos separan, siempre fue evidente el contraste entre la profundidad y la aventura, entre los conocimientos y los deseos. En esos años yo no había escuchado de Kurosawa y apenas me batía con mis pasiones desmedidas (como siempre) por Kubrick y por esa lección estremecedora que es Aguirre: la ira de Dios de Herzog. A pesar de ello, no había otra opción, y escribía con él las reseñas de la Cinemateca, y luego esa deliciosa serie que fue Notas Críticas (un banquete para mis ilusiones de diagramador en la imprenta Don Bosco). Él pasaba por alto mis lagunas (o mares) y me enseñaba como quien comenta, como quien no quiere la cosa. 

Desde Laredo de Bolivia hasta los miles y miles de rollos de películas de la Cinemateca pasamos días negros, amenazas de quiebra, amagos de desalojo, días y noches de trabajo intelectual y material (cargando películas, limpiando salas, instalando bibliotecas, montando afiches, mirando miles de metros de película en medio del frío y del polvo).  Trabajamos de sol a sol, sin concesiones.  

No lo creo todavía, ha pasado medio siglo y está la Cinemateca de pie. Los 22 años del joven que estaba convencido de que todo era posible, son hoy los 72 del viejo que sabe que no todo era posible, pero que hizo todo lo que le era posible.

Fuente: Cabildeo

Cochabamba se convierte en el epicentro del cine reflexivo con el festival Bajo Nuestra Piel

Del 15 al 21 de junio, la ciudad de Cochabamba albergará una nueva edición del Festival de Cine «Bajo Nuestra Piel», un evento cinematográfico diseñado para interpelar, conmover e invitar al público a mirar la realidad desde nuevas perspectivas a través de la gran pantalla.

Durante siete días, diversas salas de la ciudad abrirán sus puertas de forma consecutiva para ofrecer un espacio de encuentro, diálogo y transformación comunitaria.

El festival propone una experiencia cinematográfica única que reúne cortometrajes y largometrajes procedentes de distintos países y contextos. La selección oficial de este año busca acercar al espectador a realidades diversas y dar visibilidad a voces que merecen ser escuchadas, promoviendo debates y coloquios al finalizar cada una de las funciones programadas.

La programación oficial se desarrollará de acuerdo al siguiente cronograma itinerante:

• Lunes 15 de junio (19:00) | Fundación Patiño Cochabamba: Inauguración de las proyecciones con el cortometraje A la sombra del río y el largometraje Llaki.
• Martes 16 de junio (18:30) | CBA Cochabamba: Exhibición del cortometraje Voces del vertedero y el largometraje Nosotros, Guardianas.
• Miércoles 17 de junio (18:30) | ICREA Casa Cultural: Presentación del cortometraje Fortes, ensemble y el largometraje El amor duerme en la calle.
• Jueves 18 de junio (18:30) | Alianza Francesa de Cochabamba: Proyección del cortometraje Cinquantadue y el largometraje El día que me callé.
• Viernes 19 de junio (18:30) | Culturas y Turismo Cochabamba: Turno del cortometraje Naranjas y el largometraje Si vas para Chile.
• Sábado 20 de junio (18:30) | La Productora: Muestra del cortometraje Piruletas y el largometraje O Bebado (criterio formado).
• Domingo 21 de junio (18:30) | Centro Pedagógico y Cultural Juan Wallparrimachi: Clausura del festival con el cortometraje Your Own Boss y el largometraje Mano Propia.

La organización del festival invita a toda la población cochabambina a sumarse a esta semana de proyecciones, a descubrir historias que dejan huella y a formar parte de una comunidad que cree firmemente en el poder transformador del cine como herramienta social.

Fuente: Qamasa

La crisis deja en suspenso más de 100 eventos culturales

Debido a las protestas sociales y a los bloqueos que mantienen cercada a la sede de Gobierno desde hace un mes, al menos unas 100 actividades culturales de mediana y gran envergadura se suspendieron o se reprogramaron en La Paz, El Alto, Oruro y Potosí, informó a El Deber el viceministro de Culturas y Folclore, Andrés Zaratti.

Desde entradas folclóricas hasta festivales de cine, conciertos, presentaciones de libros o exposiciones, son apenas una muestra de todas las actividades culturales afectadas directa o indirectamente por este conflicto político y social que también genera una gran pérdida económica en el sector porque las actividades culturales forman parte de una cadena productiva de la que forman parte el sector del transporte, gastronomía, hotelería y turismo.

“Hablamos de una afectación considerable que no solo involucra grandes eventos, sino también funciones de teatro, conciertos, presentaciones de libros, exposiciones, talleres, clases magistrales, actividades formativas, ferias, festivales, manifestaciones folclóricas y programación cotidiana de espacios culturales”, afirmó el viceministro Zaratti.

¿Cuáles son esas actividades que se suspendieron o se reprogramaron?

Entre las más visibles están: La Larga Noche de Museos que debía realizarse en La Paz y El Alto el 16 de mayo, pero fue reprogramada para el 13 de junio.

En la Capital del Folclore se pospuso la presentación del Carnaval de Oruro 2027 y también la ‘Entrada patrimonial’, que se realiza cada año en conmemoración al nombramiento que hizo la Unesco al Carnaval de Oruro como Obra Maestra del Patrimonio Oral e Intangible de la Humanidad que esta gestión cumple 25 años.

Esta entrada folclórica estaba prevista para el 16 de mayo y fue trasladada para el sábado 22 de agosto, en tanto que el 21 será el lanzamiento del Carnaval de Oruro 2027, dijo a EL DEBER el primer vicepresidente de la Asociación de Conjuntos Folclóricos de Oruro (ACFO), David Alborta.

En La Paz se reprogramaron las actividades de la festividad del Señor Jesús del Gran Poder. La preentrada debía ser el 24 de mayo, y la entrada folclórica el sábado 30 de mayo. La Asociación de Conjuntos Folclóricos del Gran Poder reprogramó la festividad para el 20 de junio con la fastuosa entrada folclórica.

Otra de las actividades importantes y que ya es parte de la agenda cultural paceña es el ‘Wine Fest’, o el Festival del Vino que año tras año se realiza en junio. Este 2026 estaba programado para el 11, 12 y 13 de junio en el Campo Ferial Chuquiago Marka, no obstante, por los conflictos sociales este festival pasó para el mes de agosto, según el viceministro Zaratti.

En La Paz también se suspendió el estreno de la película ‘La hija Cóndor’. El reestreno de ‘Cuestión de Fe’, restaurada en 4K, debía ser el 28 de mayo, pero se reprogramó para julio.

También se reprogramaron para los próximos meses los conciertos de Wara, el Conservatorio Plurinacional de Música y Coral Nova. En el caso de la Orquesta Sinfónica Nacional y su Festival Sinfónica Fusión prevista entre el 12 y 23 de mayo, se realizó recién entre el 26 y 29 de mayo.

Lo mismo pasa con las exposiciones de artes plásticas en los espacios culturales, las presentaciones de libros, funciones de teatro, talleres, clases magistrales, actividades académicas, encuentros culturales y procesos formativos, entre otras actividades, que van más allá de La Paz como la Feria Internacional del Libro en Santa Cruz, donde muchas editoriales paceñas no pudieron asistir o su presencia se redujo a la mínima expresión.

La ciudad de El Alto también se vio afectada por los bloqueos porque el Gobierno Municipal de esa urbe realizaba el circuito turístico de los cholets, el museo de Antonio Paredes Candia y la Ruta Qhutaña que llega hasta las faldas del nevado Huayna Potosí.

En Potosí se suspendió el Festival internacional del cine, denominado, Salar Film Festival, que debía realizarse en el salar de Uyuni entre el 28 y 31 de mayo. El proyecto Una Gran Nación junto a Hidalgo Corporation y el cineasta Rodrigo Bellot darán la nueva fecha.

El turismo afectado

La ciudad de Potosí, reconocida por la Unesco como un Patrimonio de la Humanidad, también se ve afectada por la escasa afluencia de turistas, en especial al casco histórico donde se encuentra la Casa Nacional de Moneda que resiente la escasa presencia de turistas, según su director, Daniel Oropeza.

La autoridad lamentó que los principales circuitos turísticos del occidente de Bolivia como son el Salar de Uyuni, las ciudades de Potosí y Sucre (Chuquisaca), así como la ruta hacia Copacabana o el “Camino de la muerte”, en Yungas de La Paz, “están inoperables” por la cantidad de bloqueos.

“Esto perjudica a toda la cadena productiva como los hoteles que están dejando de atender porque no tienen huéspedes, lo mismo pasa con los restaurantes que no tienen comensales y el transporte terrestre y aéreo. En el caso de los museos, por ejemplo, la Casa Nacional de Moneda no tiene turistas”, lamentó Oropeza a la radio local Kollasuyo.

Asimismo, por los bloqueos, la Federación y la Asociación de Artesanos de Potosí decidió postergar hasta nuevo aviso la Feria de la Alasita que se realiza los fines de semana en el marco de la Feria de las Tradiciones Potosinas y de las actividades programadas por Corpus Cristi, dijo el secretario de Culturas del Municipio, Joaquín Alcalá.

Tres niveles de afectación

El viceministro Zaratti afirmó que por las características y diversidad de las actividades culturales es “muy difícil” tener una cuantificación exacta de las pérdidas económicas que generan los bloqueos, pero los niveles se afectación se pueden medir en tres niveles.

“Primero, la afectación directa, que incluye actividades suspendidas, postergadas, reducción de público, devolución o caída en venta de entradas, pérdida de contratos, alquileres de salas, servicios técnicos y gastos ya realizados”, explicó la autoridad.

Zaratti indicó que en segundo lugar se cuenta la afectación indirecta, vinculada a servicios conexos como ser transporte, alimentación, hospedaje, imprentas, difusión, servicios de sonido, iluminación, seguridad, montaje, comercio y turismo cultural, y tercero, la afectación social y simbólica, “porque la cultura no solo genera movimiento económico: también sostiene espacios de encuentro, convivencia, identidad, memoria, esparcimiento, recreación, participación ciudadana y ejercicio de derechos culturales”.

Es por eso que para realizar el cálculo de afectación se toma en consideración, además, cuántas oportunidades de trabajo, circulación artística, acceso ciudadano a la cultura, formación, promoción de patrimonio y dinamización territorial quedaron interrumpidas.

El sector hotelero está perdiendo Bs 67 millones por día y tenemos 6.200 cancelaciones

El sector turístico y hotelero del departamento de La Paz es uno de los más afectados por las movilizaciones que tienen aislada a la ciudad de La Paz desde principios de mayo. La presidenta de la Cámara Hotelera de La Paz, Helga Cisneros, informó que a diario sufren una pérdida de Bs 67 millones y hasta la fecha el rubro perdió Bs 1.150 millones.

“El sector del turismo está bastante golpeado. El sector hotelero se ve muy afectado por las cancelaciones de los turistas que se van sumando día a día. Si hablamos de cifras, estamos perdiendo 67 millones de bolivianos por día y vamos sumando una pérdida de 1.150 millones de bolivianos en pérdidas con una proyección de 6.200 cancelaciones hasta el fin de año”, detalló la empresaria.

Pero la millonaria pérdida económica no es la única consecuencia de los conflictos que promueven en La Paz los cocaleros del Chapare, Ponchos Rojos y la COB, sino es la deteriorada imagen que queda para los turistas que evitarán pasar por Bolivia por considerarla una región inestable y conflictiva.

“Como destino turístico tenemos una imagen internacional bastante afectada. Se debe dar una pronta solución, no podemos seguir dilatando más tiempo el conflicto que está pasando en La Paz”, dijo Cisneros.

Tras desatarse los conflictos en La Paz, los turistas ya no son vistos por las calles tradicionales como Sagárnaga, Linares, Jaén, o por la Plaza Murillo, y los pocos que se quedaron atrapados en los bloqueos carreteros tuvieron que caminar kilómetros para salir y aseguraron que no les quedaron ganas de volver a Bolivia.

Fuente: El Deber

En vísperas del Día del Cine Boliviano lanzan convocatorias para cineastas del país y la región

En vísperas del Día del Cine Boliviano, Bolivia Lab y el Viceministerio de Culturas y Folklore lanzaron este viernes convocatorias dirigidas a cineastas del país y de la región, con el objetivo de fortalecer la creación audiovisual y abrir nuevas oportunidades de desarrollo en Iberoamérica.

El anuncio se realizó en un acto conmemorativo que puso en agenda la necesidad de impulsar la producción cinematográfica nacional y consolidar espacios de formación, circulación y encuentro para el sector. La iniciativa corresponde a la décimo octava versión de Bolivia Lab 2026, denominada “Historias en Vuelo”.

Bolivia Lab se posiciona como una plataforma de formación y articulación regional que reúne a guionistas, directores, productores, críticos y asesores internacionales. A través de su red colaborativa, promueve el intercambio de experiencias y el acompañamiento a proyectos en distintas etapas de desarrollo.

La directora del programa, Viviana Saavedra, informó que esta gestión incorpora una modalidad híbrida, con actividades virtuales y presenciales. El evento incluirá conferencias, clases magistrales, muestras cinematográficas internacionales y mesas de diálogo con profesionales del ámbito audiovisual.

Las convocatorias incluyen tres espacios principales: el Taller Internacional de Guion en Cochabamba, orientado a guionistas iberoamericanos; el Laboratorio de Desarrollo en La Paz, para proyectos de largometraje en etapa inicial; y el Finaliza Lab en Santa Cruz, enfocado en obras en proceso de conclusión. Las propuestas abarcan ficción, documental y animación, y estarán abiertas del 20 de marzo al 10 de abril.

Las personas interesadas pueden revisar las bases y condiciones de participación en el sitio web oficial: www.bolivialab.com.bo

Durante el acto también se presentó el Festival Internacional de Cortometrajes Bolivia Lab en Corto, que se realizará por primera vez en la ciudad de Sucre, del 17 al 19 de septiembre, con el apoyo de la Fundación Armonía. La productora Ximena Turin explicó que esta segunda versión incorpora la categoría “Historias que migran”, dirigida exclusivamente a cineastas bolivianos.

El programador Juan Álvarez destacó que el festival busca posicionar el cortometraje como un formato fundamental dentro de la industria audiovisual. Señaló que este tipo de producciones permite ampliar las posibilidades creativas y fortalecer la base del sector. Las convocatorias contemplan las categorías de ficción, documental y animación para obras realizadas entre 2025 y 2026.

La jornada incluyó además la presentación de Cine Comunidad y Diversidad, una iniciativa que promueve circuitos alternativos de exhibición y una mirada inclusiva del cine latinoamericano. La productora Beatriz Jurado afirmó que el proyecto apunta a fortalecer redes horizontales entre cineastas y visibilizar formas de producción alejadas de los modelos comerciales tradicionales. Añadió que la convocatoria será abierta y pública, y que en los próximos días se darán a conocer las fechas y detalles para la participación. Esta propuesta alcanzará su quinta versión con la incorporación de nuevos países de la región, entre ellos Paraguay.

El viceministro de Culturas y Folklore, Andrés Zaratti, señaló que la conmemoración del Día del Cine Boliviano plantea dos desafíos centrales: promover la producción y aumentar el consumo de cine nacional. Indicó que, pese a la existencia de obras, persiste una baja asistencia del público a las producciones locales.

En ese contexto, la autoridad informó que se trabaja en la reglamentación de la Ley del Cine, la creación de un fondo cinematográfico y el impulso a coproducciones internacionales. Añadió que se coordinan acciones con distintas instancias estatales para generar alternativas de financiamiento en un contexto económico complejo.

Fuente: Opinion

La Cinemateca rescata en 2K el documental de Antonio Eguino sobre el censo de 1976

La Cinemateca Boliviana exhibe el cortometraje restaurado Abre tu Puerta al Censo, dirigido por el cineasta boliviano Antonio Eguino y recientemente digitalizado en formato 2K como parte de las labores de preservación del patrimonio audiovisual del país.

El público podrá ver la película hasta el 11 de marzo en funciones programadas a las 16.20 y 18.30, con un costo de Bs 10. La proyección forma parte del ciclo de rescate y difusión de obras históricas del cine nacional que impulsa la institución.

El documental, codirigido por Hugo Boero, integra el legado de la productora Ukamau Ltda. y retrata el proceso organizado por el Instituto Nacional de Estadística (INE) durante el censo nacional de 1976. La pieza constituye además un testimonio audiovisual de la vida social e institucional de Bolivia en ese periodo.

Con una duración de 32 minutos y en su versión original, el cortometraje se presenta junto a Operación Turbina, otra producción dirigida por Eguino. Ambas obras reflejan la mirada documental y el compromiso social de uno de los cineastas más influyentes de la cinematografía boliviana.

Las funciones se realizan en la Cinemateca Boliviana, ubicada en la calle Óscar Soria esquina Rosendo Gutiérrez, en la ciudad de La Paz.

Fuente: Opinion

Arte y audiovisual en Bolivia

Bolivia no es un país particularmente interesado en su arte y sus artistas. Así lo demuestra, por ejemplo, su exigua bibliografía de temática artística compuesta por un corpus reducido de aparición más bien tardía. Como consecuencia, la mayor parte de las fuentes de información sobre artes y artistas nacionales aún se encuentra dispersa en diferentes medios y formatos siendo el audiovisual uno de ellos. Sin pretender presentar un listado exhaustivo sobre estos materiales, el presente texto ofrece una revisión que podría resultar útil para una recopilación futura.

Aproximaciones documentales biográficas

Los materiales más destacados en el ámbito documental probablemente sean los filmados a finales de la década de 1980 por la realizadora franco-boliviana Danielle Caillet sobre Marina Núñez del Prado, María Luisa Pacheco, Guiomar Mesa, Francine Secretan y Raúl Lara. Recientemente compartidos en YouTube, estos cortometrajes destacan por el evidente trabajo investigativo detrás de su guionización, pertinentes entrevistas a artistas ya expertos y por una rigurosa cinematografía previa a la era digital 

También es destacable el documental “Enrique Arnal: el mundo de su memoria” (2011) dirigido por el hijo del artista, Matías Arnal. Éste probablemente constituye a la fecha la más exhaustiva revisión biográfica y de la obra de un artista boliviano realizada en audiovisual. Otra aproximación centrada en ofrecer un perfil de un artista de relevancia es el documental sobre Roberto Valcárcel estrenado por Roberto Dotti en 2022.

Dirigidos a públicos jóvenes son las biografías realizadas por Rodney Montoya para de la serie “Según yo”, sobre Arturo Borda, Emilio Villanueva, Marina Núñez del Prado, Juan Rimsa, Gil Imaná, Inés Córdova, Agnes Ovando y Pepe Luque. Estos materiales, también disponibles en Youtube, también destacan por fundamentarse en un trabajo investigativo de fuentes biográficas.

A los mencionados pueden sumarse videos más breves elaborados por instituciones como el Museo Nacional de Arte (MNA), el Museo Nacional de Etnografía y Folklore (MUSEF) y otros sobre artistas como María Esther Ballivián, Gil Imaná e Inés Córdova, entre otros. Elías Blanco y Carlos Morales “Karmo” también realizaron videos cortos sobre artistas bolivianos que se difunden en la red. 

Refiriéndose la producción institucional, cabe mencionar que son pocos los audiovisuales que se basan en un trabajo investigativo o analítico propio, dedicándose la mayoría a sintetizar información de fuentes bibliográficas. Probablemente un caso un tanto distinto sea el documental del MNA dedicado al arte en el período de la dictadura realizado por Luciana Molina Barragán, que recupera testimonios sobre el tema de importantes artistas. 

Noticieros y programas de TV

El archivo fílmico de la Cinemateca Boliviana alberga numerosos materiales que pueden resultar de gran valor para la investigación artística. Entre ellos se encuentran las 136 ediciones de los noticieros producidos entre 1953 y 1956 por el gobierno nacional del MNR, primero a través del Ministerio de Propaganda y luego del Instituto Cinematográfico Boliviano (ICB). Una parte de estos, dirigidos por Waldo Cerruto, registran entre sus variados temas imágenes de visitas a monumentos y museos de Potosí, Sucre y La Paz y el tratamiento de sucesos específicos relacionados con las artes plásticas. Estos materiales pueden constituir valiosas fuentes de información de un período particularmente importante para la historia de la cultura y el arte nacional, correspondiente al surgimiento de los artistas sociales y los abstractos de la Generación del 52.

De esta época el material que resulta más curioso, sin embargo, es un audiovisual de 10 minutos sobre la figura del pintor colonial Melchor Pérez Holguín, también acreditado al ICB y Cerruto. Este es contemporáneo al libro más importante sobre el artista publicado por los historiadores del arte José de Mesa y Teresa Gisbert.

Otros noticieros estatales de décadas posteriores como “Noticias de actualidad” y “Hoy Bolivia” también presentan algunos temas relacionados con la cultura y las artes de la época. Estos serán seguidos, ya en la era de la televisión, por un programa titulado “Visitando galerías” producido y dirigido a principios de los setentas por la notable pintora y grabadora María Esther Ballivián para el canal estatal. De acuerdo con Marie France Perrín, esta fue la primera producción audiovisual nacional dedicada exclusivamente a la temática artística. El archivo de la Cinemateca resguarda un par de sus ediciones, entre las cuales llama atención la una dedicada a la representación boliviana en una de las bienales de Arte de Sao Paulo.

En el siglo XXI surgieron varios programas culturales para televisión que consignan entrevistas a artistas pero no existe un archivo donde éstos puedan consultarse en la actualidad. Por el contrario, de este nuevo siglo si pueden encontrarse en Youtube algunos de los programas de la serie “Magnolia” dirigidos por la artista e investigadora Ingrid Schulze con interesantes entrevistas a artistas como Gil Imaná, Tito Kuramoto, Alfredo Loayza y otros.

Artistas en la realización audiovisual

Son varios los casos de artistas involucrados en la realización audiovisual. El primero, y acaso el más importante, es acaso el de José María Velasco Maidana, realizador del filme Wara Wara (1930) en el que intervinieron como actores artistas como Arturo Borda, Marina Núñez del Prado y Yolanda Bedregal (poeta entonces más conocida por su escultura). Aunque es menos conocido por esta faceta, Velasco Maidana también fue un notable cultor de la pintura indigenista. 

Otro caso de relevancia es el de la ya mencionado Danielle Caillet quién, además de dedicarse a la fotografía y el audiovisual junto a su esposo Antonio Eguino y cineastas del grupo Ukamau, incursionó de manera autodidacta en las difíciles técnicas de la escultura en metal, elaborando una destacable obra abstracta.

Otros casos conocidos son la participación del pintor Enrique Arnal en la realización del cortometraje “El Combate” (1959) de Marcelo Quiroga Santa Cruz, y el trabajo de la artista Martha Cajías en la película de Jorge Sanjinés “Para recibir el canto de los pájaros” (1995). Seguramente muchos otros artistas plásticos formaron parte de los equipos de producción de películas bolivianas.

Un tema mucho más amplio lo constituye el uso del audiovisual para la creación artística. Este se remonta a inicios de la década de 1960 pero encuentra sus antecedentes más claros en videos experimentales de finales de los setentas por artistas como Diego Torrez y Gastón Ugalde. El libro “El videoarte en Bolivia” (2010) se aproxima con mayor pertinencia a este tema consignando especialmente la obra de artistas contemporáneos cuya obra se desarrolla en el campo audiovisual como Douglas Rodrigo Rada, José Ballivián, Joaquín Sánchez, Alejandra Alarcón y Narda Alvarado, entre muchos otros. Seguramente en la última década el cada vez más amplio acceso a tecnologías digitales y la consolidación de espacios como el Festival de Cine Radical han ampliado los horizontes de estas prácticas en Bolivia. 

Fuente: Chaska

Andination: nueva plataforma para cineastas andinos

En un esfuerzo monumental por aglutinar el talento, las historias y la industria audiovisual de nuestra región, Andination, el portal web de la Red de Animación de los Países Andinos, da su pistoletazo de salida. Esta plataforma no es solo un sitio, sino el núcleo de un ecosistema que busca proyectar el cine de animación de Bolivia, Colombia, Ecuador, Perú y Venezuela hacia el mundo.

Una herramienta clave para la educación cinematográfica

Andination llega como una herramienta clave del programa de educación cinematográfica Otros Ojos. Tomando como referencia el exitoso modelo francés de “Educación a la imagen”, el portal ha sido uno de los primeros espacios de encuentro y visibilidad.

Secciones destacadas del portal

A partir de sus secciones de Películas y Profesionales de la Animación, Andination levanta una base de datos que incluye:

• Fichas técnicas y sinopsis detalladas.
• Tráilers y galerías de imágenes.
• Perfiles de los talentos creativos y técnicos de cada obra.

El portal, disponible en español, inglés y francés, permite a directores, guionistas y productores autogestionar sus perfiles. Así, constituye un archivo vivo y actualizado de la producción regional.

Lanzamiento y financiamiento

El lanzamiento de Andination es el resultado de un 2025 consolidado para el programa Otros Ojos. Esta vía ha sido financiada por el Fonds Equipe France y regida en la región por la Embajada de Francia en Colombia y sus copartes. Ha logrado hitos como la formación de 90 educadores en cinco países y más de 20.000 espectadores, principalmente estudiantes, en funciones mediadas.

Un reto internacional en el Festival Internacional de Cine

La Red de Animación de los Países Andinos enfrenta un reto internacional: presentar Andination en el Festival Internacional de Cine de Animación de Annecy, que se llevará a cabo entre el 21 y el 27 de junio de 2026. Este encuentro marcará un antes y un después para la animación andina, ya que ofrecerá una vitrina internacional que facilitará el diálogo audiovisual y abrirá el camino para nuevos referentes para las generaciones venideras.

La red invita a profesionales del campo de la animación con proyectos en curso o ya realizados a ser parte de esta comunidad.

Fuente: La Patria

Bolivia celebra su primer Festival Virtual de Animación

Continúa el primer Festival Virtual de Animación hasta este 1 de marzo, con invitados especiales y un intercambio de primera.

La animación se ha consolidado como la ‘punta de lanza’ de esta transformación en el mundo del cine que atraviesa Bolivia. Desde el pasado 16 de febrero y hasta el 1 de marzo, la plataforma Boliviacine, el repositorio digital más importante del cine nacional, abre sus puertas virtuales para celebrar el Primer Festival Virtual de Animación Boliviana.

Esta muestra, accesible de forma gratuita para audiencias de todo el mundo, no solo es una exhibición de cortometrajes; es una muestra del talento boliviano que hoy compite en las ligas más exigentes del circuito internacional.

Hitos internacionales

La selección del festival destaca por incluir obras que han puesto el nombre de Bolivia en la mira de los grandes estudios y festivales de clase A. Entre los nombres que lideran la cartelera se encuentra Matisse González, cuya trayectoria incluye hitos como la preselección a los Premios Óscar 2022 y una nominación a los Premios ANNIE por su obra Gravedad. En este festival, el público podrá disfrutar de Era solo una roca que se parecía a alguien, proyecto desarrollado bajo el prestigioso sello de Cartoon Network.

La diversidad de técnicas es otro de los pilares de la muestra. Desde la maestría en el stop motion de Yashira Jordán con su aclamado corto “Dubicel”, hasta la experimentación visual de Camila Alejandra Perales en “Anata Amaya”, que aborda el sincretismo aymara y los efectos de la pandemia con una sensibilidad única.

Diálogo con los creadores

Más allá de la pantalla, el festival propone un espacio de reflexión necesario para entender el estado actual de la industria en el país. Se han programado dos jornadas de conversatorios transmitidas vía Facebook Live en la página oficial de Boliviacine.

Jueves 19 de febrero (18:00): Un panel que reúne a Andy Garnica "El K'jolu", Matisse González, Alexandra Ramírez y Cristopher Rojas, moderado por Yashira Jordán.

Viernes 20 de febrero (19:00): Un encuentro técnico y gremial con Miguel Mealla Black, Andrea Estéfany Caballero, Iván Castro (RAB) y María Rosa Tasca "Xixita".

Talento e identidad

La programación también explora temas profundamente arraigados en la cultura y la realidad social de Bolivia.

Andy Garnica "El K'jolu": Presenta Telar, un viaje ancestral por los colores y textiles bolivianos.

Andrea Estéfany Caballero: En Paskay, narra una emotiva historia de duelo en el altiplano.

Cristopher Rojas: Con Batalla, ofrece un crudo pero necesario relato visual sobre los conflictos electorales.

Miguel Mealla Black: Aporta una visión crítica sobre el consumismo en Historias Contaminadas.

Cómo participar

La democratización del acceso es la gran apuesta de Boliviacine. Para disfrutar de esta cartelera de lujo, los usuarios solo necesitan registrarse de forma gratuita en el sitio web oficial www.boliviacine.com.

Este festival no es solo para los amantes de la animación, sino para todo aquel que desee descubrir cómo las nuevas generaciones de cineastas bolivianos están redibujando nuestra identidad, cuadro por cuadro. Es una invitación a celebrar un cine que ya no conoce fronteras.

Fuente: Opinion

Se inaugura Etseasa Medi, una exposición que trasladará a los visitantes al corazón de la amazonía boliviana

Una mirada íntima y profunda a cuatro pueblos indígenas de la Amazonía boliviana. Esa es la principal propuesta de Etseasa Medi, una exposición que, a través de imágenes, sonidos y objetos, invita a los visitantes a realizar un recorrido sensorial por los territorios, saberes y manifestaciones culturales de los pueblos Tacana, Ese Ejja, Machineri y Yaminahua, que habitan en el norte de Bolivia, en el departamento de Pando.

La muestra se inaugurará este miércoles 3 de diciembre en el Centro de Formación de la Cooperación Española en Santa Cruz – AECID (calle Arenales No. 583). La exposición reúne fotografías y videos de oZzo Ukumari, Eva María Coimbra, Wara Vargas, Andro Molina, Rudy Covarrubias y Milton Sosa, e incluye textos de Claudia Cuéllar Suárez, con curaduría de María Schneider.

“Nuestro gran desafío es que, a través de la ambientación y las imágenes, el espectador se traslade al territorio y comprenda la cultura, las formas de vida y los desafíos que enfrentan estos pueblos”, explica Schneider, al referirse a la exposición, que permanecerá abierta al público hasta mayo de 2026.

La exhibición se desarrolla en el marco del proyecto “Etseasa Medi: Promoción de los derechos de los pueblos indígenas de Tierras Bajas de Bolivia”, una iniciativa orientada a visibilizar, fortalecer y defender los derechos culturales y territoriales de las comunidades indígenas mediante acciones culturales y comunicacionales.

La inauguración forma parte de las Jornadas Culturales «Etseasa Medi», que se desarrollarán del 2 al 8 de diciembre en el Centro de Formación. Durante esta semana, el público podrá disfrutar de una programación diversa que incluye una muestra internacional de cine indígena, un laboratorio gastronómico amazónico y dos conciertos que fusionan la música urbana con la tradición misional.

Cierran las Jornadas el concierto Oñondive, juntos en guaraní, que fusiona la música de la orquesta misional de San Xavier con el rapero urbano Mune, con la dirección del compositor Cergio Prudencio.

Etseasa Medi cuenta con la web https://etseasamedibolivia.aecidscz.com/ donde se puede acceder a más información sobre estos pueblos indígenas amazónicos, videos cortos, fotos y audios, así como información sobre el proyecto y sus resultados.

Fuente: Periodista Virtual

Japón lanza una plataforma de streaming gratuita

En una época donde las plataformas de streaming acaparan casi todo el entretenimiento, JFF Theater aparece como una opción para los fanáticos de las producciones japonesas y el anime. Esta web gratuita y multilingüe fue impulsada por The Japan Foundation y busca acercar lo mejor del mundo audiovisual japonés contemporáneo y fortalecer los lazos culturales entre Japón y el resto del mundo.

Títulos japoneses con subtítulos en español

JFF Theater se puso en marcha el 1 de agosto de 2024 y actualmente ofrece numerosos títulos de cine japonés con subtítulos en español, inglés y, en algunos casos, en japonés. El catálogo actual incluye desde series dramáticas y documentales sobre la historia del sushi, hasta producciones independientes, animés reconocidos y cortometrajes de animación stop-motion del realizador Takeshi Yashiro.

"Basándonos en el lema 'Conmovido, emocionado e inspirado', tenemos como objetivo llegar al público internacional, fomentando las conexiones y los intercambios inspiradores entre los aficionados al cine japonés, tanto nuevos como antiguos", explica un comunicado en la web oficial de la plataforma.

Por otro lado, desde la Fundación Japón destacan que tienen como objetivo "crear una plataforma en la que se puedan ver películas y videos japoneses en cualquier momento y lugar". Para poder acceder al contenido solo hace falta elegir el idioma deseado en la parte superior derecha de la pantalla y luego crear una cuenta.

Fuente: Opinion

Arranca Unicine, una vitrina para el arte audiovisual hecho en Bolivia

¡La tercera versión del Festival nacional de Cine Universitario (UNICINE) está en marcha! La convocatoria fue lanzada ayer, con la presencia de grandes personalidades, en el Campus Colonial de la Universidad Privada Cosmos (UNITEPC).

Paolo Agazzi, reconocido director de cine ítalo boliviano; y el presidente del Directorio de UNICINE, licenciado Diego Fernández, engalanaron el acto de lanzamiento de la convocatoria oficial para el festival.

En conferencia de prensa, el licenciado Diego Fernández explicó que hay pocos espacios de visibilización de producciones cinematográficas en Bolivia. Por esta razón, instó a aprovechar UNICINE, que se consolidó como una vitrina para el arte audiovisual.

Adelantó que este 2025 la organización de UNICINE realizó un esfuerzo mayor para apoyar el cine boliviano, ampliando las categorías de participación. Paolo Agazzi, director de cine y presidente del jurado del festival, tomó la palabra con mucha emoción. Dijo que está seguro que esta versión de UNICINE será igual o más exitosa que la del año pasado. Además, destacó la continuidad que se da al evento.

Bases

El Festival Nacional de Cine Universitario se realizará el 28 y 29 de noviembre del 2025, en la ciudad de Cochabamba y entregará más de 60 mil bolivianos en premios.

Está dirigido a estudiantes de unidades educativas, universitarios, aficionados y profesionales del audiovisual.

El festival distinguirá al Mejor Cortometraje, Mejor Director, Mejor Fotografía, Mejor Actriz, Mejor Actor, Mejor Producción y Mejor Videoclip (categoría profesional).

La inscripción es gratuita y las fichas para registrarse están disponibles en todas las sedes de la Universidad Privada Cosmos de Bolivia.

Fuente: Los Tiempos

Pequeña historia de una gran escalera

Era el último fin de semana de julio. Año 1977. Bolivia estaba de luto: habían fallecido el ex presidente David Toro Ruilova (héroe de la Guerra del Chaco, uno de los líderes del socialismo militar) y la pintora María Esther Ballivián Iturralde. Reinaba/atemorizaba el dictador Banzer Suárez. En Puerto Cabello, el país estrenaba su primer barco nacional desde la Guerra del Pacífico: fruto de los acuerdos entre el susodicho y el presidente venezolano Carlos Andrés Pérez. 

El cine 16 de julio estrenaba el segundo largometraje de Antonio Eguino Arteaga, “Chuquiago”. La recaudación de la “premiere” era destinada al hospital Juan XXIII de Munaypata. Luis Espinal Camps y Pedro Susz K. publicaban en Presencia y El Diario sendas críticas laudatorias. Susz, que había hecho la foto fija del “largo”, titulaba: “Mirar hacia adentro”. Espinal -que había asesorado el filme y se había encargado de la continuidad- optaba por un misterioso “La tenaza ambiental”. 

El club Bolívar ganaba el clásico (gol del gran Luis Gregorio Gallo, hombre de la selección argentina, fichado por Mario Mercado) contra el club The Strongest. Se había jugado en Tembladerani (con nueve mil hinchas que habían abarrotado el Estadio “Libertador Simón Bolívar). Los que no habían podido comprar una entrada miraban desde los cerros de Bajo Tacagua. Era un fin de semana como pocos. 

En el teatro “Modesta Sanjinés” de la remozada/municipal Casa de la Cultura, unos muchachos provenientes de barrios populares de la ciudad (Santa Bárbara, Villa Victoria, San Sebastián) debutan en teatro con adaptaciones de Peter Hanke y Franz Kafka (“El pupilo quiere ser tutor” e “Informe para una Academia”). 

Se hacen llamar “Teatro de La Escalera”. Se han conocido durante el rodaje de “Chuquiago”. Hacen su debut nada más y nada menos que el fin de semana de estreno de la película que más gente llevará a las salas oscuras de los cines en la historia de la cinematografía  boliviana: un millón de espectadores.

José Bozo Jivaya y Guillermo Aguirre González viven -respectivamente- en la avenida Pando y en la Illimani, esa que baja desde el mercado Yungas hacia el estadio de Miraflores. Sus padres tienen tiendas/talleres: el primero de letreros y pinturas; el segundo, de tapicería. Así de esa manera, armando/pintando decorados para el teatro llegan al mundo de las tablas. 

Bozo es tímido y lo del entrañable “Gordo” Aguirre –“alma pater” del grupo- será inventar/escribir historias y relatos, siempre pegados al “ajayu” de la ciudad. El dúo se conoce con Daniel Quintana Téllez, recién salido bachiller, vecino de la calle Sagárnaga. Es acomodador y proyeccionista del cine Abaroa. Lleva unos años (desde el 72, gracias al contacto de Freddy Alborta con Antonio Eguino Arteaga) aprendiendo el oficio de fotógrafo en el famoso estudio Foto Eguino (primero en la avenida Seis de Agosto, luego en la plaza del Estudiante, donde sigue hasta hoy). 

Quintana sueña con ser cineasta: agarra la Bolex cada vez que puede. Y por ser “pintudo”, es invitado para debutar en teatro, haciendo el papel de “El Tutor”. José Sanjinés Velasco hace de “Pedro, el Rojo” y José Leopoldo Sanjinés V., de “El Pupilo”. Este último, que en 2024 publicó un libro de relatos llamado “Diario de un prostático”, es el director no oficial de la obra. No firma como tal porque la dirección es colectiva, como mandaban aquellos tiempos de utopía y rebeldía.

“¿Y por qué se pusieron ese nombre?” preguntaron una vez al inolvidable “Gordo” Aguirre. “Porque siempre estamos subiendo escaleras”. El chango Guillermo está encargado de las luces, música, sonido, construcción escenográfica y continuidad. Gaspar Vera Jemio (uno de los pocos que todavía vive al día de hoy) es jefe de escena y diseñador de la escenografía junto a Pepe Bozo. De la foto, se encarga -como no podía ser de otra manera- Quintana. 

En el folleto que reparten al público del teatro de la Casa de la Cultura, se agradece especialmente a Ana María Vargas y a Freddy “Gordo” Delgado, ex ayudante de albañil, pilar esencial de los trabajos cinematográficos de La Escalera. Hacen cuatro pases, de jueves a domingo. El embajador alemán de la época no se había fiado del elenco y había pedido -él había puesto la plata- un ensayo general para dar la aprobación definitiva. 

El contacto de Aguirre con la embajada europea es otro compañero del elenco Guillermo Barrios (recién llegado de Alemania donde se ha especializado al haber estudiado en la empresa de producción de cámaras ARRI). El recordado árbitro de fútbol Alfonso Seligman (trabajador en la misma embajada y que hoy descansa en el Cementerio Judío del barrio de San Antonio en La Paz) también ayuda para lograr el debut teatral de La Escalera.

La (olvidada) crítica de teatro del periódico El Diario, Carla Medinaceli, desea en su reseña “constancia, integridad y éxito” al elenco. Sus anhelos no serán escuchados. Será la primera y última vez que el “Teatro de La Escalera” suba a las tablas. 

En el cine sí será el grupo más constante. Su primer cortometraje (que estos días se puede ver en la Cinemateca Boliviana) es todo un éxito. “Hasta cuando” es el primer trabajo cinematográfico que tiene como protagonista a un carpintero alcohólico y su triste final. Es un viejo “artillero”, es la prehistoria de los “cementerios de elefantes”. Es una verdadera joyita del cine nacional con la participación de personajes reales, tomadores consuetudinarios de la urbe.

La película gana el flamante “Cóndor de Plata” por delante de una obra del infatigable Diego Torres Peñaloza. Los rollos de 16 milímetros los han conseguido de contrabando gracias a un contacto en Televisión Boliviana, un camarógrafo de apodo “Ugarteche”. Es la primera película hecha por trabajadores del cine boliviano. Todos han arrimado el hombro. Gabriel Báez, más conocido como “La Pulga Eléctrica”, es un carismático empleado de la Bolivian Power y ha colaborado bajando la luz de los postes para poder rodar en los barrios de La Paz. La Escalera, al contario de otros colectivos de ayer y de hoy, era clase obrera.

El propio Antonio Eguino queda sorprendido de la habilidad y talento de los muchachos. El plano inicial, un barrido panorámico del centro hacia las laderas, obra de Daniel Quintana, sorprende a propios y extraños. Oscar “Cacho” Soria Gamarra le había prestado un manual de lenguaje cinematográfico y Quintana aprendía rápido. El cámara Juan “Juanito” Miranda, que venía de laburar en el Proinca con Hugo Roncal y había sido asistente de cámara con Sanjinés en “Ukamau” en 1966, también da una mano.

La música corre a cargo del Grupo Coca (y su tema “Mama india”), el sonido y el montaje sonoro corresponde a Gaspar Vera y la voz narradora es de Freddy Cano. La mezcla en laboratorio la hace Luis Zegarra de Televisión Boliviana. 

El gran Hugo Pozo hace de Nicolás, el protagonista. Guido “Lechuguita” Álvarez hace de “Sullu”. Antonia Arias, una vecina de pollera de la avenida Illimani, es la esposa y la hija del “Gordo” Aguirre, Patricia, es la hija. La dirección, como no podía ser de otra manera, es conjunta y es firmada por los cinco de La Escalera: Daniel Quintana, Guillermo Aguirre, José Bozo, Freddy Delgado y “Joselo” Sanjinés.

Su segundo cortometraje “Por qué” (1979) sobre el aborto no tiene el éxito esperado. Rodado en el hospital materno-infantil de Miraflores, La Escalera se adelantó a su tiempo. La película de media hora de metraje tenía a Tatiana Cordero y David Vargas (un retocador fotográfico de Tupiza) como protagonista. Se estrenó en la Casa de la Cultura “Franz Tamayo” y tuvo pases en colegios fiscales. Hay tres copias de esta película: una en la Cinemateca (sin restaurar a día de hoy), otra en el estudio Foto Eguino y otra en manos de la hija de Aguirre. 

La tercera obra del colectivo es “Dale Martín” (1980). Es la historia -también triste- de un chango que sueña con ser atleta y llegar a los Juegos Olímpicos. La Paz había celebrado los Juegos Bolivarianos y los niños querían ser futbolistas o corredores de fondo. Martín, el hijo de un orfebre, es el protagonista. Quiere ser Ricardo Condori Sonco que venía de participar en los Juegos Olímpicos de Munich 1972. Su meta: alzar los brazos entando como ganador en la pista del Estadio “Hernando Siles”.

La Escalera aprovecha la carrera organizada por la radio Nueva América de Raúl Salmón para grabar las secuencias de la competencia entre la plaza Riosinho de la Zona Norte hasta Miraflores. El guion de Aguirre ha previsto un final feliz pero Martín, falto de comida y preparación, se desmaya llegando a la plaza del stadium. Los directores de La Escalera cambian abruptamente el final sobre la marcha. Martín se sienta en las gradas de la cancha y ve como otro recibe la medalla. 

El cuarto y último trabajo cinematográfico se llama “La Red” (1982). Es un encargo de la USAID y la embajada norteamericana. Es el único que graban en video U-Matic; el primero a color. Es un documental filmado en el Chapare sobre los eslabones del narcotráfico. Ese mismo año, el grupo firma como tal en los créditos de “Mi socio” de Paolo Agazzi Sacchini. Los últimos trabajos colectivos son para la publicidad del canal 7 donde también colabora José Soto. 

Todos van a continuar trabajando en el cine boliviano a título individual aunque Guillermo Aguirre -formado después como comunicador- reivindicará el laburo de grupo en otros filmes como “Amargo Mar”, “Los hermanos Cartagena”, “Jiwasa”, “Los Andes no creen en Dios”, “Moreno sin máscara” o “El día que murió el silencio”.

En 1984 cuando llega a La Paz el cineasta (montajista) cubano Justo Vega para participar en “Amargo Mar” de Antonio Eguino, se ofrece a editar de nuevo los tres primeros cortometrajes del grupo, montados en un principio de manera artesanal. Las copias masterizadas en La Habana son ahora parte de la pequeña historia del cine boliviano. 

La Escalera fue la escuela de formación de una generación de técnicos vitales para nuestro cine; fueron los pioneros de un cine social/urbano, de compromiso, el primero que retrató la otra cara de la ciudad. Sanjinés y Ukamau, colectivo de clase media, habían hecho lo propio con el área rural y el movimiento indígena-campesino. La Escalera fue un grupo de compañeros, idealistas a más no poder; fueron una piña de amigos que sin tener un solo peso (y un solo foco) hicieron cine; contra todo cuando no había nada.

Fuente: Opinion

¿Por qué hay historias que consiguen que alcancemos un momento ‘eureka’ psicológico?

Las historias están en todas partes: en películas, libros, series y hasta en las redes sociales. Sean de ficción o no, tienen un poder especial: crean un espacio seguro donde explorar ideas complejas sobre la discriminación, la desigualdad social, el cambio climático o las enfermedades.

Gran parte de la investigación sobre los efectos de los medios de comunicación ha prestado atención a su “lado oscuro” (violencia, estereotipos). Sin embargo, en las últimas décadas, ha surgido una nueva perspectiva: la psicología positiva de los medios. Esta disciplina estudia cómo el consumo mediático puede favorecer el bienestar psicológico de las personas.

En este campo de investigación cobran especial importancia las narraciones inspiradoras. Este tipo de historias abordan temas trascendentales como el sentido de la vida, las virtudes morales o el crecimiento personal.

Además, presentan personajes que albergan características como la bondad, la compasión, la empatía o la tolerancia. Y, finalmente, incluyen al menos una “escena transformadora”: un punto clave en la historia que desencadena un cambio profundo en los personajes o en la trama.

Al pensar en historias inspiradoras podríamos mencionar películas como La vida es bella, Intocable, En busca de la felicidad o Gran Torino.

Por ejemplo, en esta última, su protagonista, un hombre solitario y cargado de prejuicios, experimenta un cambio radical al decidir sacrificarse para proteger a sus vecinos hmong. Este gesto altruista no solo transforma al protagonista, sino que también puede cambiar la forma en que el espectador percibe a las personas inmigrantes. El proceso de insight psicológico ayuda a explicar estos efectos.

El ‘momento eureka’

¿Alguna vez, mientras veía una película, ha sentido que algo encajaba de repente en su mente? Ese instante de claridad, o “clic mental”, tiene un nombre: insight psicológico. Cuando se manifiesta, la persona tiene la sensación de haber experimentado una especie de revelación o iluminación interior. No se trata de entender la trama de la historia, sino de obtener una lección profunda.

Este fenómeno psicológico también se diferencia de otros procesos de recepción de narraciones inspiradoras como la elaboración cognitiva (que implica una reflexión profunda) o la elevación (una emoción positiva ante actos virtuosos). El insight ocurre de manera abrupta y se experimenta como un “momento eureka” narrativo.

Aunque el concepto de insight tiene una larga tradición en disciplinas como la psicología clínica, psicología del aprendizaje e investigación sobre creatividad, es un concepto inexplorado en comunicación.

Desde la Universidad de Salamanca hemos desarrollado una investigación pionera para definir el proceso de insight psicológico y diferenciarlo de otros. El resultado final ha sido el diseño de una escala innovadora para medir esta experiencia única.

El poder de las historias

La investigación, publicada recientemente en la revista Human Communication Research, permitió definir este proceso y diseñar la primera Escala de Autoinforme de Insight Psicológico (PI-SRS) mediante dos experimentos.

En el primero, los participantes vieron vídeos de YouTube con alto o bajo potencial inspirador. En el segundo, leyeron relatos breves diseñados específicamente para ese estudio que diferían también en su potencial inspirador.

Tras la exposición a las narraciones los participantes contestaban un cuestionario que contenía afirmaciones como “Viendo el vídeo (o leyendo el relato) he experimentado una especie de revelación o iluminación interior”.

Los resultados fueron concluyentes: el proceso de insight psicológico fue mayor cuando las personas se expusieron a las narraciones con alto potencial inspirador. El insight psicológico también se asociaba con una mejor valoración de la historia, más allá de la influencia de otras variables como la apreciación, la elevación o la elaboración cognitiva.

Además, este proceso actuaba también como un mecanismo mediador, explicando por qué las historias más inspiradoras son mejor valoradas: no solo entretienen (o generan elevación y hacen pensar), también generan una experiencia de descubrimiento.

Utilización a futuro

Podemos pensar en una narración como una linterna en una habitación oscura. Cuando la historia tiene un alto potencial inspirador, la luz es más potente, iluminando rincones ocultos. En este caso, el insight psicológico sería el momento en el que, gracias a esa luz, de repente distinguimos un objeto importante que antes pasaba desapercibido. De este modo, el relato nos parece más valioso y significativo porque, además de disfrutarlo, nos ha revelado algo inesperado.

Estos hallazgos abren el camino para un nuevo ámbito de estudio dentro de la psicología positiva de los medios de comunicación que enlaza, a su vez, con la investigación sobre persuasión narrativa.

Además, es relevante en la investigación sobre el impacto de los mensajes de educación-entretenimiento: historias diseñadas para informar, o promover cambios sociales, pero integradas en tramas atractivas y envolventes.

La investigación sobre el insight psicológico en comunicación es aún incipiente, pero sus aplicaciones son ilimitadas. Las historias podrían ser herramientas poderosas en áreas como la salud, la inclusión social o la educación. Por ello, los creadores de contenido deberían tenerlo en cuenta: si aspiramos a un mundo mejor, necesitamos historias que nos inspiren y nos iluminen.

Fuente: The Conversation

9º Concurso Bienal Andino de Cine Documental: DOCUMENTA 2025

El festival de cine documental francés DOCUMENTA cumple 20 años de existencia y queda consagrado como uno de los eventos cinematográficos del género documental más representativos en Venezuela. Este año 2025 viene además consolidado con el 9no concurso andino de cine documental y un taller regional de escritura y desarrollo de proyectos documentales organizado y dictado por profesionales de los Talleres Varan de París.

Estos tres eventos paralelos, festival, concurso y taller de formación, tienen el mismo objetivo primordial de exhibir la riqueza y la creatividad del género documental, valorizar su patrimonio y su legado, ampliar su audiencia; en resumen, apoyar más eficientemente su desarrollo, su producción y su difusión.

El concurso específicamente tiene como finalidad promover el género fílmico documental entre los cinco países – Bolivia, Colombia, Ecuador, Perú y Venezuela – que conforman la región andina norte y central, unidos por la filiación de un momento histórico común durante la independencia, y Francia, a través del Festival Biarritz Amérique Latine, evento de referencia para el cine latinoamericano, que celebrará su edición número 32 en 2026, cuando reciba al(a la) ganador(a) de DOCUMENTA 2025.

Desde sus inicios, DOCUMENTA propone un concurso que desea impulsar la creación del cine documental andino más allá de sus fronteras. Único, diverso y explícito, el documental andino sorprende por sus temáticas tratadas con el fervor y el colorido de su idiosincrasia.

El concurso DOCUMENTA, representado simbólicamente por el monumento Batalla a Carabobo, conocido popularmente como la India de El Paraíso es un monumento ubicado en Caracas, Venezuela en conmemoración de la Independencia de ese país tras la Batalla de Carabobo.

El monumento fue diseñado con una base de rocas que representan el territorio liberado por Simón Bolívar, en las rocas se sitúan tres figuras que representan las tres repúblicas que integraron la Gran Colombia: Nueva Granada (Colombia), Ecuador y Venezuela. Sobre las rocas surge una palmera con hojas de metal sobre las que se posa una mujer con el gorro frigio, llevando el laurel y la antorcha como símbolo de la Libertad.

El cóndor andino es un símbolo de Libertad, poder y espiritualidad. Está representado de frente, majestuoso con las alas extendidas, conectado con el cielo y la tierra.

El resultado del concurso se dará a conocer en el marco del 20º Festival de Cine Documental en Venezuela DOCUMENTA 2025 previsto a principios de noviembre.

El concurso andino de cine documental DOCUMENTA es una experiencia gratificante que nos ha enseñado que la realidad muchas veces supera la ficción, y que hay tantas maneras de interpretar la realidad como hay cineastas; tu participación es un paso hacia adelante, y es importante para todos.

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Fuente: cinefrances.net

Los Premios Oscar ya aceptan películas creadas con IA

En una decisión que marca un antes y un después en el mundo del cine, la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas ha actualizado sus reglas para la edición 2025 de los Premios Oscar y, por primera vez, menciona de manera explícita a la inteligencia artificial generativa. Lo hace con una postura clara: el uso de herramientas digitales como la IA no afectará de forma automática las posibilidades de una película para obtener una nominación. Pero hay un matiz clave que deja todo en manos del criterio artístico: el papel del ser humano en la autoría creativa.

Un cambio silencioso pero trascendental

A simple vista, la modificación en las reglas puede parecer menor. No se prohíbe el uso de IA, pero tampoco se regula con firmeza. La nueva cláusula dice que el uso de inteligencia artificial ni ayuda ni perjudica las opciones de una película en la carrera por un Oscar. Lo que realmente se valora es el grado en que el trabajo creativo fue impulsado por una mente humana.

Esta es la primera vez que la IA se menciona en las directrices de elegibilidad de los Oscar. Y aunque no establece requisitos de transparencia —como revelar si se ha utilizado IA en el proceso creativo—, sí deja claro que la autoría humana sigue siendo el núcleo del mérito artístico.

Un contexto marcado por la tensión

Este cambio llega justo después de una etapa conflictiva en la industria. En 2023, guionistas y actores de Hollywood protagonizaron huelgas prolongadas. Uno de los puntos más controvertidos fue precisamente el temor a que la inteligencia artificial terminara desplazando a los creativos humanos, desde escritores hasta intérpretes. La inclusión de esta norma parece ser un intento de calmar las aguas, reconociendo la existencia de la tecnología sin emitir juicios prematuros sobre su valor artístico.

El mensaje de la Academia es claro: no se trata de la herramienta, sino de cómo se usa. Tal como un pincel no convierte a cualquiera en pintor, la IA no convierte a un programa en cineasta. Lo que se evaluará será siempre el resultado final y la intención creativa que lo respalda.

¿Qué implica esto para el cine del futuro?

Con esta decisión, los Oscar abren la puerta a un futuro donde las películas creadas con ayuda de IA podrían competir en igualdad de condiciones con producciones más tradicionales. Esto tiene implicaciones enormes para la industria:

• Democratización del cine: Herramientas como generadores de guiones, actores virtuales o efectos visuales automáticos podrían reducir costes y permitir que más creadores participen.
• Nuevas formas narrativas: La IA puede aportar enfoques creativos inesperados, lo que podría dar lugar a películas con estructuras narrativas no convencionales.
• Debates éticos y creativos: ¿Quién es el autor de una obra generada en parte por un algoritmo? ¿Cómo se protege la originalidad? ¿Qué derechos tienen los actores si su imagen es recreada digitalmente?

Todo esto sigue siendo terreno en exploración, pero lo que parece claro es que la inteligencia artificial ha llegado para quedarse en la industria cinematográfica, y ahora cuenta con un espacio, al menos potencial, en el escenario más prestigioso del cine mundial.

La importancia del «corazón humano»

El criterio de la Academia, según explican, se centrará en cuánto de ese trabajo refleja una intención creativa humana auténtica. Esto nos recuerda que la IA, por sofisticada que sea, no siente, no imagina, no sueña. Puede imitar, generar, predecir… pero no crea desde la experiencia vivida.

Es como cocinar con robots: puedes automatizar los pasos, pero si la receta no tiene el toque personal, se nota. Lo mismo ocurre con el cine: el espectador puede percibir cuándo una obra tiene alma, cuando hay una voz detrás de la cámara que quiere contar algo más que una historia bien estructurada.

Otras novedades en las reglas de los Oscar

Además del tema de la inteligencia artificial, la Academia ha introducido otra regla que busca garantizar un proceso de votación más justo: los votantes deberán ver todas las películas nominadas en una categoría antes de emitir su voto. Eso sí, la implementación será bajo un sistema de honor, es decir, no habrá mecanismos de verificación.

Esta medida busca evitar que se vote por reputación o por popularidad, y fomentar una evaluación más justa del trabajo de los nominados. Aunque su cumplimiento es difícil de comprobar, representa una intención positiva hacia una premiación más equitativa.

¿Qué podría venir después?

Aunque la nueva normativa no exige a los cineastas que revelen si han usado IA, este punto estuvo sobre la mesa. Según el New York Times, la Academia consideró seriamente incluir una obligación de divulgación, pero finalmente lo dejó fuera. No se descarta que esto se retome en futuras ediciones, sobre todo si la presencia de la IA en el cine continúa creciendo.

También es posible que, con el tiempo, se creen nuevas categorías que reconozcan específicamente la innovación tecnológica en narrativa audiovisual, algo similar a lo que ocurrió cuando los efectos especiales comenzaron a ganar protagonismo.

Una puerta abierta al talento… con conciencia

Este cambio no significa que ahora todo valga. No se trata de entregar los premios al software más sofisticado, sino de valorar cómo estas herramientas pueden potenciar la creatividad humana. En otras palabras: el talento sigue siendo la estrella del show, pero ahora tiene más recursos con los que brillar.

El cine siempre ha sido un terreno fértil para la innovación: desde el paso del cine mudo al sonoro, la llegada del color o el desarrollo del 3D. La inteligencia artificial es simplemente el siguiente capítulo. Y como en cualquier etapa de cambio, lo importante es entender las herramientas, reflexionar sobre sus usos y mantener los valores que hacen del cine un arte profundamente humano.

Fuente: wwwhatsnew

Documental sobre la minería ilegal del oro en Yanacachi narra la violencia y criminalización tras el extractivismo

Bajo el titulo Minería ilegal del oro en Yanacachi: de ataques a defensores del medioambiente a la criminalización de productores de flores, el documental de Jimena Mercado y Adriana Gutiérrez, narra en 45 minutos los múltiples impactos socioambientales de la actividad extractiva en el municipio precolombino, así como los sistemáticos ataques a defensoras y defensores de sus comunidades, hasta llegar a la criminalización de productores de flores.

Producto del trabajo de campo de varios meses y el seguimiento desde 2023 a la problemática minera en Yanacachi de la provincia Sud Yungas del departamento de La Paz, se pudo evidenciar la proliferación de cooperativas mineras auríferas en la zona, que junto a algunas empresas llevaron a un punto de inflexión a las comunidades afectadas.

Desde intentos de secuestros y violación a mujeres campesinas y ataques brutales en contra de comunarios, concejales y reporteros locales, que se opusieron a la minería en la comunidad Chaco, casos recogidos en testimonios de primera mano en el reportaje: 100 mineras auríferas ponen en riesgo al precolombino municipio de Yanacachi en La Paz, hasta la penetración con maquinaria pesada a Tres Marías y la criminalización a defensores del medioambiente, el documental ofrece una ruta crítica del extractivismo y la vulneración de Derechos.

La detención del productor de flores de la comunidad Tres Marías, César C. en el penal de San Pedro, tras un cuestionado operativo articulado entre la Fiscalía y Policía de Coroico a simple denuncia de la Cooperativa Minera Salvadora Yerbani, por los presuntos delitos de “avasallamiento de área minera, asociación delictuosa y lesiones graves y leves” y la persecución a cinco comunarios y dirigentes bajo los mismos tipos penales, puso de manifiesto la criminalización de quienes se enfrentaron a la minería del oro en su comunidad.

El documental realizado en el marco del proyecto “Fortalecimiento de defensoras y defensores de Derechos Humanos frente a la minería ilegal” bajo la coordinación del programa Acceso Público de Fundación Pueblo y el apoyo financiero de la Embajada de la República Federal de Alemania, tiene la virtud de visibilizar patrones de ataques a defensoras y defensores del medioambiente frente a la minería ilegal del oro, así como la complicidad de instituciones del Estado a la hora de criminalizar a comunarias y comunarios.

Lo sucedido en Tres Marías logró connotación internacional, luego que la Coordinadora Nacional de Defensa de Territorios Indígena Originario Campesinos y Áreas Protegidas (Contiocap) y el Centro de Documentación e Información Bolivia (CEDIB) llevarán el caso a audiencia pública ante la Comisión Interamericana de Derechos Humanos (CIDH) sobre la criminalización a defensoras y defensores de Derechos Humanos y medioambiente, junto a otros casos emblemáticos como el de Tariquía, área protegida impactada por las operaciones petroleras.

Bajo la dirección y guion de Jimena Mercado, la producción y edición de Adriana Gutiérrez, con el apoyo Manuel Seoane con las imágenes de dron, el documental ya puede ser visto en el canal de You Tube de Fundación Pueblo.

La periodista Jimena Mercado develó el 2018 la presencia de las dragas chinas y colombianas en la Amazonía boliviana y sus sociedades ilegales con cooperativas locales auríferas, es autora del libro: Tras el Dorado. Crónicas de la explotación del oro en la Amazonía. El impacto de sus investigaciones generó el interés de medios nacionales e internacionales, así como la academia e instituciones de la sociedad civil, fue ganadora de manera consecutiva del Premio de Periodismo de Investigación Franz Tamayo en su primera y segunda versión. El 2024 fue reconocida por la Asociación de Periodistas de La Paz (APLP) con la Medalla Bautista Saavedra por su defensa de los intereses públicos.

Adriana Gutiérrez, periodista con más de 20 años de experiencia en el periodismo de investigación ha sido reconocida con varios premios por su trabajo en la exposición de casos de corrupción. Sus investigaciones han abarcado una amplia gama de temas, desde el contrabando de vehículos indocumentados hasta el narcotráfico. Actualmente, se dedica a realizar investigaciones independientes en el ámbito medioambiental.

Fuente: Erbol